Dani Drumond transforma encontros e memórias em cinema e prepara documentário com Anderson Krenak
Em entrevista exclusiva, o cineasta mineiro fala da Tipiti Filmes, dos desafios de produzir obras independentes e do documentário sobre a memória do povo Krenak.
Por Eric Rudhiery | Edição: Redação Auctoritas Notícias.
Para Dani Drumond, o cinema começa no encontro. Antes de se afirmar como cineasta, o mineiro descobriu a fotografia durante a graduação em Comunicação Social na ECA-USP e percorreu diferentes lugares com uma câmera nas mãos. O interesse pelas pessoas, pelos territórios e pelas memórias que emergem da convivência acabaria orientando seu trabalho audiovisual.
Em 2016, durante uma oficina de cinema documental dos Ateliers Varan, em Recife, realizou o curta Carne e Casca, acompanhando Mosquito, pescador de sururu na Ilha de Deus. A exibição do filme no Cinema São Luiz, na presença do personagem e de seus familiares, consolidou sua percepção de que uma obra pode produzir vínculos e preservar histórias para além das filmagens.
Diretor, roteirista, diretor de fotografia e montador, Drumond fundou a Tipiti Filmes, ateliê voltado ao desenvolvimento e à realização de filmes autorais. Sua trajetória reúne obras como Água Rasa, Filadelphia, Carne e Casca e Capitã Iracema. Também atuou na equipe de Cantareira, dirigido por Rodrigo Ribeyro, curta que conquistou reconhecimento no Festival de Cannes e em festivais brasileiros, segundo a biografia encaminhada pelo entrevistado.
Entre documentário e ficção, seu trabalho investiga relações humanas, modos de vida e conflitos socioambientais. Atualmente, está na pós-produção de Nhuk Nak Nengãn – Aqui é minha terra, longa documental codirigido com Anderson Krenak, que acompanha memórias de deslocamento forçado e reencontros familiares do povo Krenak.
Em entrevista exclusiva ao Auctoritas Notícias, o cineasta reflete sobre criação, escuta, autoria, os obstáculos econômicos do audiovisual brasileiro e os próximos projetos da Tipiti Filmes.
Como começou sua trajetória no audiovisual e em que momento você percebeu que o cinema seria o centro do seu trabalho autoral?
“Comecei no audiovisual a partir da fotografia. Mudei-me de Belo Horizonte para São Paulo com 19 anos para estudar Comunicação Social na ECA-USP. Cursei uma disciplina de fotografia que despertou em mim um desejo muito grande de sair pelo mundo fotografando. Fiz algumas viagens a pé e de carona, fotografando todos os dias, e fui entendendo a câmera como uma forma de me relacionar com o que estava diante de mim. Comecei a me interessar pela possibilidade de construir a partir da câmera um olhar sobre as pessoas, os lugares e as relações que encontrava.
Desde então, me aproximei da fotografia documental. Em uma visita à comunidade quilombola de Pontinha, no interior de Minas Gerais, realizei uma série de retratos familiares e comecei a perceber o quanto me interessava estar próximo das pessoas, acompanhar seus cotidianos e construir imagens a partir dessa convivência. Durante um estágio em um estúdio audiovisual em São Paulo, aprendi a editar e comecei a experimentar o vídeo.
O momento em que entendi que o cinema poderia ser o centro do meu trabalho autoral aconteceu em 2016, quando fui selecionado para a oficina de Cinema Documental H²O Cine Recife, dos Ateliers Varan. Durante sete semanas, vivi em Recife, morando parte desse tempo na Ilha de Deus, estudando com outros 9 colegas em um curso com realizadores-professores de distintas partes do mundo, aprendendo os princípios do cinema direto e filmando diariamente. Foi uma experiência muito intensa de convivência e de descoberta do processo de realização de um filme a partir da presença, da escuta e da relação com o outro.
Foi ali que realizei “Carne e Casca”, meu primeiro curta-metragem, acompanhando Mosquito, o mais velho pescador de sururu ainda em atividade na ilha. O filme nasceu dessa convivência e desse desejo de observar a partir da câmera seu cotidiano, mas uma das coisas que mais me marcou aconteceu no final desse processo, na exibição dos filmes da oficina, no Cinema São Luiz.
Levei Mosquito e sua família para assistir ao filme. Era a primeira vez que a maioria deles entrava em um cinema. Lembro de ver Mosquito radiante, feliz, emocionado, sendo abordado pelas pessoas e cercado pela família. Foi uma experiência que me marcou muito. Percebi que fazer um filme podia estabelecer relações e produzir encontros que continuavam existindo depois da filmagem. Depois da sessão, deixei uma cópia do filme com a família, e a partir dali, comecei a entender o cinema também como uma forma de me relacionar com as pessoas e de construir memória junto delas. Isso se aproximava de inquietações políticas e de vida que eu já carregava comigo e que, até então, ainda não sabia como transformar em trabalho.
Hoje percebo que aquele momento com Mosquito continua presente naquilo que busco fazer. O cinema se tornou o centro do meu trabalho porque encontrei nele uma possibilidade de juntar muitas coisas que me interessam: olhar e ouvir com atenção, imaginar, estar com outras pessoas, construir relações, situações e memórias, transformar essas experiências em imagem e som e fazer com que elas possam perdurar. E também devolver essas imagens a quem fez parte do processo, permitindo que o filme siga depois por outros caminhos, encontre outras pessoas e trilhe seu próprio percurso pelo mundo.
Desde então, fui construindo minha trajetória principalmente entre a direção de fotografia, o documentário e, cada vez mais, a ficção, procurando desenvolver filmes a partir das relações que estabeleço com as pessoas e os territórios. Ao longo dos anos, realizei trabalhos com trabalhadoras e trabalhadores, comunidades quilombolas, povos de terreiro, congadeiras e povos indígenas, e também desenvolvi projetos de ficção atravessados por essas experiências.
Tenho na realização cinematográfica uma atividade que me desperta muito prazer. É uma atividade profissional que me pede um olhar atento e uma escuta ativa a outras pessoas para que eu possa realizá-la da melhor maneira e que, consequentemente, além de me encher de vida, também cria pontes, caminhos e conexões, promovendo encontros e viagens a territórios que, de outra forma, ou trabalhando em outras atividades, possivelmente eu não conheceria dessa maneira.
Acredito que as pessoas que também enxergam essa potência do audiovisual e esse prazer na realização acabam se conectando para muito além do próprio trabalho. Tanto trabalhando com equipes quanto com atores e não-atores, faço amigos, crio conexões e nutro novas concepções e novas formas de olhar o mundo a partir da empatia e da alteridade.
Além disso, a própria atividade técnica e ótica da câmera, com a luz e com os microfones, assim como a imaginação na hora de escrever um roteiro ou de pensar a direção e a montagem de um filme são coisas que me movem e me trazem muito prazer.”
Você atua como diretor, roteirista e fotógrafo. Como essas diferentes funções se encontram no seu processo criativo?
“Eu acredito que parto muito da experiência para pensar. Olhar, esperar, sentir, me relacionar, procurar, perceber, tocar, me deixar atravessar. É nesse deixar permear que essas diferentes frentes de atuação se encontram, numa operação intensa e por vezes catártica. Elas se estendem desde a concepção dos filmes que realizo e atravessam todas as etapas, do planejamento da realização à pós-produção.
Por geralmente estar envolvido em projetos de guerrilha, com equipes pequenas, mínimas ou em produções solitárias, costumo pensar em diferentes dimensões do filme ao mesmo tempo: o roteiro, o ritmo da montagem, a dramaturgia dos personagens, a relação entre e com os atores, a maneira de filmar, a composição da banda sonora, os aspectos técnicos da imagem e sua colorização, além das próprias questões de produção. Buscar uma certa autonomia me interessa justamente pela possibilidade de experimentar fazendo, experienciando, sentindo e, sobretudo, vivendo. Conhecendo pessoas, observando-as, escutando-as e criando situações de convivência que possibilitem alianças, pontes e relações.
Tanto pela influência da escola do cinema direto dos Ateliers Varan quanto pelo meu início de carreira como fotógrafo, esse pensamento atravessa também o meu olhar a partir da câmera. Pensar com a câmera, para mim, é algo muito importante: conhecer e trabalhar com a luz e o som dos lugares, perceber as relações que se estabelecem neles e pensar em como potencializar tudo isso da maneira que o momento do filme pedir. No documentário, procuro não me deslocar somente a partir de um tema, mas daquilo que me toca nessa temática e, sobretudo, das pessoas e dos personagens que me atravessam e de seus pontos de vista, sejam eles seres humanos, um rio, uma árvore ou um animal.
Mantenho-me aberto a mudar de direção quantas vezes for necessário até encontrar o caminho do filme. Acredito que muito disso se revela no percurso. É nesse entre que conhecemos outras pessoas, outras formas de fazer, e novas ideias, relações e conexões surgem. Essa fluidez permite que coisas que eu jamais imaginaria sozinho passem a integrar a autoria do filme e contribuam para a consolidação de sua forma.
Na ficção, também me baseio muito em pessoas que conheço, em histórias minhas e de outras pessoas ao meu redor que me atravessam. Sobretudo depois do meu retorno à minha cidade natal, Belo Horizonte, após oito anos longe, entre São Paulo e o Nordeste, o encantamento pelos personagens presentes na vida que levo naturalmente me faz trazê-los para minhas criações. Algumas vezes, inclusive, incorporando as próprias pessoas como atores dessas produções. Gosto particularmente da mistura entre atores e não atores e me interesso por esse hibridismo.
Gosto tanto de trabalhos que se constituem durante a própria realização quanto de partir de experiências pessoais e daquilo que está ao meu redor para investigar suas conexões, consequências e possíveis atravessamentos. Procuro encontrar o que pode haver de universal dentro de uma particularidade. Também me interessa deslocar uma situação real ou possível para um lugar distinto da realidade, levando-a ao limite do absurdo.
Como diretor, roteirista, montador e fotógrafo, interessa-me pensar como as relações entre os personagens, os gestos, os espaços, a imagem e o som podem se articular para construir uma forma própria de contar cada história. É na transversalidade dessas diferentes frentes de atuação que procuro encontrar a linguagem de cada filme.”
O que mais influencia a forma como você constrói uma história, seja na ficção, no documentário ou em outros formatos audiovisuais?
“A maneira como percebo o mundo é profundamente atravessada pelas questões políticas e pelos conflitos socioambientais, que me acompanham desde que me entendo por gente. Tenho o privilégio de ter uma mãe bióloga e um pai músico e, com eles, aprendi a olhar as coisas de perto e de longe, a sentir, a demonstrar, a ouvir e a aguçar os sentidos. Aprendi a estar envolto pela natureza, a ouvir uma composição e apreciar os sons, a olhar as cores e também a defender aquilo que acredito que deve permanecer neste mundo, lutando pela memória daquilo que eu gostaria que não fosse esquecido.
Essas experiências também me ensinaram a reconhecer que a realidade não é percebida da mesma maneira por todos, e que cada pessoa, sociedade, povo ou cultura experimenta de maneiras distintas. Por isso, procuro exercitar uma escuta atenta e respeitosa diante dessas diferentes subjetividades, tanto na relação com os personagens quanto no trabalho com a equipe técnica e outras pessoas envolvidas na produção. Interessa-me compreender como cada pessoa se relaciona com o mundo, o que a mobiliza, o que a constitui e quais experiências tornam possível a sua maneira particular de ver as coisas.
Vejo a câmera como uma ferramenta para estabelecer conexões com outras pessoas, compartilhar experiências e promover reflexões por meio das imagens e dos sons. A realização cinematográfica me permite me aproximar de determinados universos e construir, junto de outras pessoas, composições que possam ampliar a percepção sobre realidades, conflitos e modos de vida que nem sempre encontram espaço ou reconhecimento.
Nesse sentido, vejo o cinema como uma possibilidade de potencializar discussões em disputa política e de contribuir para as lutas de populações em situação de vulnerabilidade social, econômica e ambiental, como trabalhadoras e trabalhadores, povos e comunidades tradicionais, indígenas, quilombolas, de axé. Procuro construir filmes em aliança com essas pessoas, sobretudo quando trabalho com personagens reais, respeitando a complexidade de suas experiências e a pluralidade de seus pontos de vista.
Essas questões também atravessam a maior parte das ficções que realizo, ainda que de outras maneiras. Seja partindo de experiências pessoais, seja deslocando situações para o campo do absurdo, interessa-me investigar as contradições do mundo em que vivemos e aquilo que nossas formas de organização social tornam visível ou tentam manter à margem. No fundo, fazer filmes também é uma maneira de me posicionar diante do mundo e de imaginar outras possibilidades de nos relacionarmos com ele.”
Quais foram os principais desafios e aprendizados de desenvolver projetos de forma independente no Brasil?
“É impossível não mencionar as condições materiais da realização do cinema, uma arte cara de produzir, pós-produzir e distribuir. É muito difícil, sozinho, conseguir dinheiro para realizar um filme, assim como é difícil dispor de recursos para não precisar trabalhar sozinho. No cinema independente, especialmente no cenário de guerrilha em que se localiza grande parte das minhas produções, a necessidade de assumir muitas funções acaba sendo uma condição para que o filme exista.
Os mecanismos de financiamento são fundamentais, mas também impõem seus próprios obstáculos. Os editais são extremamente competitivos, enquanto as leis de incentivo fiscal que dependem da captação junto a empresas exigem dos realizadores não apenas um projeto consistente, mas também acesso a empresários e empresas dispostos a investir. Cria-se, assim, uma distância entre a possibilidade de financiamento prevista nesses mecanismos e o acesso efetivo aos recursos. Na prática, ter uma rede de contatos e relações prévias com potenciais investidores pode fazer uma diferença decisiva, favorecendo quem já dispõe dessas conexões.
Foram poucos os filmes que tive o privilégio de realizar com financiamento por meio de editais ou com recursos provenientes de premiações e licenciamentos posteriores. Em boa parte dos projetos, precisei custear a produção com recursos próprios e utilizar equipamentos que adquiri ao longo da minha trajetória profissional no audiovisual, trabalhando como diretor de fotografia e videomaker.
Sou muito movido pelo desejo de realizar filmes, mesmo quando não há perspectiva de retorno financeiro imediato. Para financiar meus projetos autorais, preciso assumir trabalhos externos, que disputam constantemente espaço na minha agenda. Estou sempre tendo que decidir entre dedicar tempo àquilo que garante minha subsistência e investir naquilo que desejo realizar artisticamente. Essa conciliação também é complexa porque cada função exige uma disposição diferente.
Na montagem, passo horas sozinho diante do material, revendo imagens, experimentando ritmos e procurando relações que não havia percebido durante a filmagem. É um trabalho que exige imersão, concentração e introspecção. Já na fotografia, sobretudo quando trabalho com luz natural, preciso estar atento ao que acontece diante de mim e tomar decisões em poucos segundos, sem saber se aquela luz, aquele gesto ou aquela situação vão se repetir. Na produção, minha atenção se volta para os recursos disponíveis, as condições necessárias para que o filme aconteça e as pessoas envolvidas. Na direção, preciso acompanhar o conjunto e, ao mesmo tempo, estar aberto ao que surge durante a realização. Quando acumulo essas funções, preciso alternar constantemente entre maneiras muito diferentes de pensar e de estar presente. Essa autonomia me permite acompanhar o filme de perto, mas também torna difícil encontrar, para cada etapa, o tempo e a energia que ela exige.
A dificuldade não termina quando o filme fica pronto. A distribuição demanda outro conjunto de conhecimentos e uma dedicação que nem sempre consigo oferecer depois de assumir tantas funções na realização. É preciso acompanhar prazos, festivais, estreias e estratégias de circulação. As inscrições em festivais internacionais também podem representar custos elevados, especialmente quando convertidos de euros ou dólares para reais. Muitas vezes, deixo de tentar oportunidades que poderiam gerar contatos, parcerias e outros caminhos para os filmes simplesmente porque não disponho dos recursos necessários.
Além disso, fazer um filme circular exige um planejamento complexo e envolve decisões tomadas sob incerteza. A questão da estreia, por exemplo, pode ser determinante: alguns festivais exigem ineditismo nacional ou internacional, e uma estreia em determinado evento pode inviabilizar a participação em outros. Apostar em uma possível estreia internacional pode significar adiar por meses outras estratégias de circulação, sem nenhuma garantia de que a oportunidade vá se concretizar. Os calendários dos festivais nem sempre se articulam de maneira favorável, e esse tempo de espera pode acabar esfriando o próprio processo de distribuição. É um trabalho que exige atenção contínua e capacidade de planejamento, justamente algo difícil de manter quando também preciso realizar filmes e garantir minha renda.
Fora do circuito de festivais, encontrar público e comercializar os filmes também é um desafio. A internet ampliou as possibilidades de difusão, mas criou uma disputa gigantesca pela atenção. A linguagem do cinema, muitas vezes baseada na duração, na reflexão, no ritmo e na construção estética, nem sempre coincide com a lógica de consumo rápido das redes.
A venda ou o licenciamento para plataformas de streaming tampouco são caminhos simples, sobretudo para filmes que não alcançam grande repercussão nos festivais internacionais. As plataformas investem cada vez mais em produções próprias e operam em mercados nos quais realizadores e produtoras com estruturas consolidadas já dispõem de relações e canais de acesso. Existem exceções, evidentemente, mas, para muitos realizadores independentes, conseguir que uma plataforma adquira um filme continua sendo uma possibilidade distante. Na televisão, as oportunidades de exibição também são limitadas, tanto pela quantidade de espaços destinados ao cinema quanto pelas exigências de duração, formato e linguagem de cada janela.
Assim, muitos filmes conseguem ser realizados, circular em festivais e até conquistar reconhecimento, mas não geram receita suficiente para remunerar o trabalho investido ou financiar as obras seguintes. A produção independente permanece, em grande medida, dependente de mecanismos de financiamento que permitam realizar os filmes sem a expectativa de que sua comercialização posterior cubra os custos. Isso torna especialmente difícil construir uma trajetória profissional sustentável.
Por isso, acho que existe uma contradição muito grande na realização independente: é necessário plantar constantemente, mas o tempo de plantar nunca é o tempo de colher. É preciso desenvolver projetos, buscar financiamento, realizar, distribuir, criar relações e procurar novas oportunidades, sem saber quando ou mesmo se os investimentos feitos vão produzir algum retorno. Os custos e as demandas são altos, enquanto os resultados são dispersos e imprevisíveis.
Meu principal aprendizado tem sido continuar me movimentando apesar dessas dificuldades e me conectar com pessoas que também acreditam na potência do cinema e do audiovisual. Fazer filmes, para mim, sempre foi também encontrar essas pessoas e construir alianças, buscando maneiras de continuar realizando aquilo que acredito que devo fazer.”
Em que projetos você está trabalhando atualmente e o que podemos esperar dos próximos trabalhos da Tipiti Filmes?
“Atualmente, estou na pós-produção do meu primeiro longa-metragem documental, Nhuk Nak Nengãn – Aqui é minha terra, que codirijo com Anderson Krenak e no qual também atuo como produtor, fotógrafo e montador. O filme nasceu da minha pesquisa de mestrado no PPGCOM-UFMG, inicialmente voltada aos arquivos relacionados às violências do Estado brasileiro contra os povos indígenas, especialmente durante a Ditadura Militar. A partir da pesquisa de arquivo e das visitas às ruínas do Reformatório Agrícola Indígena Krenak e à Fazenda Guarani, essa investigação se ampliou e passou a se concentrar nas memórias e nas experiências do povo Krenak, os Borun do Uatu.
Realizado a partir de uma relação de parceria, convivência e confiança com os Krenak, o filme acompanha uma caravana de integrantes da família de Anderson que, após décadas de deslocamentos forçados pelo Estado brasileiro, parte da aldeia Krenrehé, nas proximidades da Ilha do Bananal, no nordeste do Mato Grosso, em direção ao seu território originário, às margens do rio Doce. Expulsos de suas terras em 1958 e separados de seus parentes, muitos deles não se reencontravam havia mais de seis décadas. A viagem se torna, assim, uma experiência coletiva de reencontro entre gerações e de aproximação com um território profundamente transformado desde a infância dos mais velhos. A partir dessa convivência, dos diálogos e da circulação de arquivos, o filme procura reconstruir memórias e relações atravessadas pela violência do Estado e pela dispersão desse povo. Neste momento, sigo trabalhando na montagem e na finalização, ainda sem uma previsão definida de lançamento.
Paralelamente, venho desenvolvendo projetos de ficção e escrevendo roteiros pensados para serem realizados com poucos recursos, dentro de uma lógica de produção de guerrilha. Um deles está em estágio mais avançado e pretendo filmá-lo em 2027, mesmo que em uma estrutura reduzida, buscando nas próprias condições de realização possibilidades para a construção do filme.
Também estou envolvido na pós-produção de Histerectomia, curta-metragem documental desenvolvido em parceria com Meibe Rodrigues, em um processo que aproxima performance e experimentação cinematográfica.
A Tipiti Filmes também se desenvolve por meio de parcerias e coproduções. Tenho uma relação de trabalho e amizade com o diretor Rodrigo Ribeyro, da Cachorro Sensível Filmes, com quem realizei e coproduzi, como diretor de fotografia, curtas-metragens de ficção como Cantareira, A Natureza, Migué, Animais e Massagem. Seguimos trabalhando juntos para viabilizar novos projetos, tanto em curta-metragem quanto na perspectiva de realizarmos longas-metragens no futuro.
Quero que a Tipiti Filmes continue sendo um ponto de partida para realizar os filmes que desejo fazer, tanto no documentário quanto na ficção, encontrando caminhos para produzir mesmo com recursos escassos e construindo parcerias que permitam levar os projetos mais longe. Seguir desenvolvendo esses trabalhos sem depender de condições ideais para começar, fazendo de cada realização também uma oportunidade de abrir caminhos para os filmes seguintes.”
A experiência relatada por Dani Drumond aponta para uma concepção de cinema em que a realização não se limita à criação de imagens: envolve escuta, convivência e responsabilidade diante das pessoas e das histórias filmadas. É nessa relação que ele reconhece a possibilidade de construir memória e abrir espaço para narrativas pouco visíveis.
Entre a montagem de Nhuk Nak Nengãn – Aqui é minha terra, o desenvolvimento de novas ficções e as parcerias da Tipiti Filmes, o cineasta procura manter a produção autoral em movimento, mesmo diante das dificuldades de financiamento e circulação.
O público pode acompanhar seu trabalho pelo Instagram @dani.drumond, por www.tipitifilmes.com e por www.danidrumond.com.
Nota da redação: entrevista concedida via e-mail. As respostas foram reproduzidas integralmente, com ajustes pontuais de ortografia e apresentação, sem alteração de sentido. Informações sobre filmografia, premiações e projetos constam da biografia e das respostas fornecidas pelo entrevistado. As três fotografias foram encaminhadas diretamente por Dani Drumond para publicação.
Editado e revisado pelo diretor de Marketing, Eric Rudhiery Albuquerque.
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